De nombreux films des années 1960 ont repoussé les limites, élargissant ce qui était acceptable à un public plus large, y compris la violence.
Les films des années 1960 résistent à l’épreuve du temps pour plusieurs raisons. Les cinéastes ont été encouragés à raconter de nouvelles histoires de manière radicalement nouvelle. Lorsque le fameux code Hays a disparu en 1968, les choses ont vraiment dégénéré. Pourtant, même avant cela, de nombreux films repoussaient les limites, élargissant ce qui était acceptable à regarder à l’écran. En particulier, les films de cette décennie ont commencé à devenir violents. Les dix films suivants ci-dessous datent des années 1960 et sont plus violents que la plupart des films d'action modernes.
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Ce ne sont pas tous des films d’action, mais ils comportent tout de même plusieurs scènes où le rouge coule comme une rivière sauvage. Ce ne sont pas non plus tous des films hollywoodiens, ce qui explique comment un contenu aussi violent est apparu à l'écran avant la disparition du code restrictif de Hays. Il faut également reconnaître la tendance contemporaine du blockbuster d’action à gros budget PG-13. Ces films présentent de nombreuses fusillades et coups de poing, mais évitent souvent le sang, le gore et les personnages mordent souvent la balle hors écran.
La bande sauvage
Sam Peckinpah était un alcoolique avec un penchant pour tirer à balles réelles sur un plateau. Aussi malsains que ces comportements puissent paraître, La bande sauvage ne serait pas le même sans cette rage et cette négativité.
Le conte western hors-la-loi est terminé par deux des fusillades les plus grizzly jamais filmées. Mais ce n’est pas seulement le sang qui les rend si intenses. Les séquences sont assemblées avec des montages ultra-rapides qui donnent à peine au spectateur le temps de traiter ce qu'il voit avant que la prochaine image de carnage ne lui soit projetée dans les iris.
Bonnie et Clyde
La véritable histoire derrière ces deux hors-la-loi légendaires n'est peut-être pas exactement celle qui s'est déroulée dans le classique d'Arthur Pen, mais elle a donné lieu à une aventure fantastique.
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Faye Dunaway et Warren Beatty incarnent les braqueurs de banque titulaires alors qu'ils se frayent un chemin à travers les États-Unis, fauchant tous ceux qui se mettent en travers de leur chemin, quelle que soit leur innocence.
Yeux sans visage
Les critiques ont accueilli ce film d'horreur français avec de mauvaises critiques lors de sa sortie en 1963. C'était la première incursion du réalisateur auprès d'un public effrayant, et les gens étaient surpris qu'un cinéaste aussi renommé s'attaque à ce qui était alors considéré comme un genre modeste.
Mais au fil des années, il a gagné en popularité. Le public moderne est plus habitué à l'horreur corporelle présentée et réalise le mérite artistique du genre.
Nuit des morts-vivants
Tous les tropes de zombies modernes ont commencé avec le film fondateur de George Romero. Le réalisateur a fait La Nuit des Vivants Mort avec un budget restreint et a fini par rapporter plus de dix millions de dollars. C'était avant qu'un système de notation approprié ne soit mis en place et que les enfants puissent acheter leurs propres billets et regarder le film sans surveillance.
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Même selon les normes d'aujourd'hui Nuit des morts-vivants est violent. Imaginez maintenant ce que ressentait un enfant de dix ans à la fin des années 60 en le regardant. Cela n'aide pas non plus que l'intrigue du film soit une progression constante des protagonistes qui échouent et sont poussés de plus en plus loin dans un coin.
Les bérets verts
Le Béret Vert rétrospectivement, le message politique est erroné. L'implication prolongée des États-Unis dans la guerre du Vietnam est généralement considérée comme une erreur, mais le film est résolument pro-guerre, ce qui est logique compte tenu du soutien indéfectible de John Wayne au conflit.
Quelle que soit l'opinion de chacun sur la guerre, le film résume un conflit compliqué en un film d'action stupide. Pourtant, si l’on peut dépasser la simplification d’un chapitre morbidement sérieux et sombre de l’histoire américaine et plisser les yeux très fort, peut-être pourra-t-on l’apprécier comme un film d’action pop-corn.
Là où les aigles osent
Ce thriller d'espionnage sur la Seconde Guerre mondiale se déroule entièrement au cours d'une seule mission d'infiltration. Les personnages de Clint Eastwood et Richard Burton se faufilent dans une forteresse puis se frayent un chemin une fois leurs couvertures explosées.
Le dernier acte du film est une scène palpitante où les deux protagonistes fauchent tout le monde sur leur passage lors de leur évasion. Plusieurs moments amènent à se demander comment ils ont pu filmer de telles séquences avec les méthodes dont disposaient les cinéastes des années 1960.
Sur le service secret de Sa Majesté
Le seul tour de George Lazenby en tant que 007 a transformé la série d'un thriller d'espionnage en un chef-d'œuvre d'action épique. L'assaut final contre les installations de Blofeld est une séquence époustouflante réalisée avec une précision magistrale.
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Un moment particulièrement horrible voit un homme de main tomber dans une meuleuse, ses tripes jaillissant du haut du véhicule, mêlées à la neige. C'est une mort d'une violence surprenante pour un si vieux film.
Jojimbo
Les films d'Akira Kurosawa contiennent beaucoup de violence, mais ce n'est pas pour cela qu'il est si vénéré. L’homme avait une attention sans précédent aux détails, ce qui a contribué à transporter les spectateurs dans des mondes complètement différents.
Ceci étant dit, Jojimbo présente toujours de nombreux duels à l'épée intenses qui culminent dans une violence souvent extrême et un chien se promenant avec une main humaine dans la gueule.
L'obscurité du soleil
L'obscurité du soleil a été fustigé dès sa sortie pour son contenu violent. Mais ce qui se passe à l’écran n’est rien comparé à la véritable violence qui a eu lieu pendant le conflit congolais sur lequel il est basé.
À l'époque, le film était peut-être considéré comme trop extrême, mais comme l'attitude des gens à l'égard de la violence s'est adoucie au fil du temps, le film a récemment reçu des éloges. Quentin Tarantino et Martin Scorcese, deux des réalisateurs les plus connus du moment, se disent même fans du film.
L'enfance d'Ivan
Les films de la Seconde Guerre mondiale produits en Union soviétique sont d’une toute autre race que leurs homologues occidentaux. Ils sont moins patriotes et plus tristes des pertes en vies humaines et des destructions causées par le conflit. Il est logique que cette attitude imprègne des films comme ceux de 1985. Viens et vois et le long métrage d'Andrei Tarkovski de 1962, celui d'Ivan Enfance .
Le titulaire Ivan est un évadé d'un camp de prisonniers récemment orphelin qui insiste pour contribuer à l'effort de guerre pour venger sa famille. Il ne regorge pas d'action et d'explosions, mais il figure sur la liste pour ses images sombres et son utilisation de séquences d'archives brutalement graphiques.
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