Alors que la décennie touche à sa fin, les critiques et les cinéphiles du monde entier passent énormément de temps à rédiger leurs listes du meilleur et du pire des dix dernières années. Les arguments se poursuivront jusqu'en 2020, mais pour l'instant, il est temps de revenir sur certains des moments de cinéma les plus étranges et les plus WTF de la décennie.
Les années 2010 n'étaient certainement pas à court de films étranges ou de moments qui vous ont fait écarquiller les yeux de confusion, que ce soit dans des films indépendants ésotériques ou dans certains des plus grands blockbusters de l'époque. Même si le cinéma est devenu super sûr au niveau des studios à gros budget, des risques ont été pris et certains réalisateurs n'ont pas eu peur de devenir super bizarres.
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Nous aurions pu remplir entièrement cette liste avec des films indépendants expérimentaux qui repoussent vraiment les limites mais n'ont pas trouvé un public massif, mais nous voulions également rendre compte de certains des moments les plus bizarres qui ont fait leur entrée dans le courant dominant. Ce sont les moments les plus étranges du cinéma des années 2010.
L'araignée dans l'ennemi
L'adaptation par Denis Villeneuve du roman de José Saramago Le double mettait en scène Jake Gyllenhaal dans le double rôle de deux hommes aux personnalités aussi différentes que similaires. Adam, professeur d'histoire à Toronto, mène une vie relativement banale jusqu'à ce qu'il repère un acteur dans un film de location qui lui ressemble, l'envoyant dans un voyage obsessionnel pour en savoir plus sur lui. Son sosie, Anthony, semble avoir sa vie ensemble d'une manière qu'Adam n'a pas et cela le rend fou. Les araignées sont un motif récurrent partout Ennemi , principalement inspiré de la sculpture Maman de Louise Bourgeois. Même si vous comprenez ce à quoi la métaphore fait allusion, rien ne vous prépare au point culminant du film et à la tarentule de la taille d'une pièce qu'Adam rencontre. Vous sautez instinctivement de votre siège à la vue avant de vous demander ce qui vient de se passer. C'est une fin convenablement énervante pour un film hallucinant.
Le venin est comme une merde dans le vent
Venin n'était pas exactement un film très médiatisé lors de sa première dans les salles en 2018. La campagne de marketing avait été déroutante et désordonnée, la cote PG-13 a déçu les fans à qui on avait promis un film plus adulte, et pas une seule personne en vie n'a vu la bande-annonce avec Venom disant la ligne comme un étron dans le vent et n'a pas ri. Cela semblait être un flop en attente pour Sony Pictures, mais ensuite les gens l'ont vu et beaucoup ont été étonnamment conquis par son ton bizarre qui oscillait entre le drame sérieux, la comédie romantique et le slapstick à la Chaplin. Tom Hardy donne une performance pleinement engagée qui fait avancer le film grâce à un effort pur, et l'étrange chimie semi-coquette d'Eddie Brock et Venom a fait une expérience remarquablement agréable. Étonnamment, le comme un étron dans le vent moment fonctionne mieux dans son contexte une fois que vous vous souvenez que Venom est un perdant avoué et que vous avez déjà vu Brock se baigner dans le vivier de homards d'un restaurant. En espérant que le réalisateur Andy Serkis augmente le chaos pour Venin 2 .
Tout dans The Lure
Les années 2010 n'étaient certainement pas à court d'un film étrange ou deux si vous saviez où les chercher, et cette décennie, la Pologne nous en a offert un d'une qualité particulièrement trippante. Le leurre , le premier album de la réalisatrice Agnieszka Smoczyńska en 2015 est une comédie musicale d'horreur féministe mettant en vedette des sirènes tueuses. Que pourriez-vous demander de plus? Librement adapté du conte de fées emblématique de Hans Christian Andersen La petite Sirène , Le leurre ne pourrait pas être plus différent de la version Disney. Celui-ci est violent, sexy, grossier et profondément conscient du caractère misogyne du matériel source, représentant deux sœurs sirènes qui sont prises par un numéro de boîte de nuit polonaise de mauvaise qualité et deviennent des objets de curiosité et de convoitise pour les humains qui paient pour les regarder chanter. . Un homme tombe amoureux de l'une des sœurs, mais son manque d'organes génitaux humains s'avère être un léger problème, et le voyage du film avec ce récit révèle la brutalité du sexisme à son niveau le plus primitif. Le résultat final est l'un des films les plus étranges et les plus recommandés de la décennie.
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Sexy Fish-Man Sex en forme d'eau
Quand Guillermo del Toro a remporté l'Oscar du meilleur film avec La forme de l'eau , de nombreux critiques ont décrié le film comme un choix sûr des électeurs de l'Académie. Cela semble être un rejet si étrange à propos d'une romance fantastique de l'époque de la guerre froide où une femme muette s'entend avec un homme-poisson. Del Toro aime ses monstres et il s'assure fréquemment que ses personnages humains le font aussi, à plus d'un titre. Bien que le film ne montre pas le sexe, il n'a aucun scrupule à faire savoir au public que l'homme-poisson et Eliza de Sally Hawkins ont passé un moment très satisfaisant. En un instant, Eliza montre à sa meilleure amie comment un homme-poisson a même l'équipement pour copuler avec succès avec une femme humaine, et c'est un moment franc d'un plaisir si inattendu que même les téléspectateurs les plus ouverts d'esprit ont été un peu choqués.
La fin de maman !
Le réalisateur Darren Aronofsky n'a jamais été du genre à emprunter la voie facile avec ses films. Son travail est souvent délibérément difficile à vivre, qu'il s'agisse de la descente du protagoniste dans la folie spirituelle dans Pi ou les effets brutaux de la toxicomanie vus à travers les protagonistes de Requiem pour un rêve . De la curieuse grammaire du titre aux campagnes publicitaires évocatrices mais très cryptiques, il semblait que mère! serait plus du même. Le public a adoré le film ou l'a détesté, le film ayant reçu la fameuse note F de Cinemascore. Même pour ceux qui aimaient le drame allégorique subtil comme une brique, il n'était pas difficile de comprendre pourquoi. Dans son récit assez complet du Livre de la Genèse, couplé à une fable sans limites sur les abus que l'humanité a infligés à la Terre Mère, mère! culmine avec une foule qui se déchire et consomme le bébé de Jennifer Lawrence. Ce n'est pas la métaphore la plus délicatement construite, mais elle a certainement fait le travail pour ceux qui pouvaient le supporter.
L'ours humain en annihilation
Nous n'obtiendrons peut-être jamais une véritable adaptation de Lovecraft d'un grand studio américain, mais Paramount et le réalisateur Alex Garland sont certainement les plus proches pour capturer la terreur cosmique de l'icône de l'horreur avec Annihilation . Librement adapté du roman du même nom de Jeff VanderMeer, le drame de science-fiction suit cinq femmes, dirigées par Natalie Portman, alors qu'elles traversent dans 'The Shimmer', une zone de quarantaine du sud de la Floride immergée dans l'emprise métamorphosée d'un force extraterrestre inconnue. Le Shimmer transforme tous les êtres vivants sur son passage, des plantes à la faune en passant par les humains, et à mesure que les femmes se rapprochent de son centre, les sites les plus dérangeants qu'elles voient. Celui qui nous a le plus énervé était l'ours, qui avait muté en partie avec la géomorphologue mourante Cassie 'Cass' Sheppard. Entendre les cris douloureux de Cass à l'aide du corps d'un ours en mutation est un bruit qui a hanté nombre de nos cauchemars.
L'Ascension de Yorgos Lanthimos
Certains réalisateurs ne sont tout simplement pas faits pour le grand public. Certains cinéastes sont exceptionnellement talentueux et méritent la vedette, mais semblent conçus pour rester strictement indépendants. Personne ne s'attendait à ce que l'auteur grec Yorgos Lanthimos éclate comme il l'a fait, devenant nominé aux Oscars du meilleur réalisateur après être passé aux drames en anglais. Le coup de poing un-deux-trois de Le homard , Le meurtre d'un cerf sacré , et Le favori a révélé que Lanthimos était un visionnaire engagé qui pouvait rendre son style très spécifique - un humour sec, déroutant dans l'intrigue, fortement dépendant d'un mélange de banal et d'excentrique - acceptable pour un public plus large sans jamais diluer son intention. C'est le réalisateur qui a fait une satire des relations dans lesquelles des personnes qui ne sont pas dans l'une se transforment en l'animal de leur choix, et le grand public est allé le voir ! C'est grâce à des réalisateurs comme Lanthimos que l'industrie semble un peu plus disposée à prendre des risques sur des histoires apparemment dangereuses.
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La torsion dans Désolé de vous déranger
Boots Riley a fait sensation avec ses débuts en tant que réalisateur, donnant le satirique drame Désolé de vous déranger une force politique sans vergogne qui s'est élevée contre le genre de problèmes que Hollywood essaie généralement d'éviter. La comédie noire absurde a abordé les réalités écrasantes du capitalisme moderne et la peur inéluctable de ce système dans lequel nous sommes tous obligés de travailler, mais au lieu d'en faire un drame morne, Désolé de vous déranger est délicieusement dingue et utilise des sauts fantastiques pour transmettre pleinement l'horreur d'être écrasé sous une idéologie constamment positionnée comme le rêve. En gros tout sur Désolé de vous déranger est délicieusement étrange, de l'utilisation de la «voix blanche» des acteurs noirs aux façons surréalistes de visualiser le télémarketing à la quantité de cocaïne que renifle le personnage d'Armie Hammer. Pour une pure puissance WTF, cependant, nous devons aller avec le moment où le film révèle comment sa centrale maléfique prévoit de dégrader davantage ses travailleurs. Une créature mi-homme mi-cheval est dévoilée et expliquée comme la nouvelle évolution pour garder les travailleurs dociles et plus forts pour un travail perpétuel. C'est idiot mais terriblement réel dans son message, ce qui ne fait que rendre son étrangeté encore plus énervante.
Le bras et le globe oculaire du paradoxe de Cloverfield
Le paradoxe de Cloverfield n'était pas aussi intéressant ou bien connu que ses prédécesseurs et sera probablement davantage reconnu à l'avenir pour sa sortie non conventionnelle, car Netflix a récupéré le film de Paramount puis l'a abandonné après le Super Bowl. Il y avait encore quelques moments d'horreur corporelle qui nous ont fait nous demander d'où partaient les cinéastes. L'horreur de la science-fiction a suivi un groupe international d'astronautes à bord d'une station spatiale qui, après avoir utilisé un accélérateur de particules pour tenter de résoudre la crise énergétique de la Terre, sont accidentellement envoyés dans une autre dimension. Dans une scène, les globes oculaires d'un personnage commencent à bouger d'eux-mêmes et il commence à se parler dans le miroir. Un autre personnage perd son bras et il commence alors à se déplacer et à essayer de communiquer avec eux. Cela aurait pu être fait d'une manière effrayante - consultez The Thing pour la représentation ultime de l'horreur corporelle - mais Le paradoxe de Cloverfield est étrangement bâclé dans ses efforts et il apparaît principalement comme de faibles tentatives de comédie sans aucun rire. Le reste du film n'est malheureusement pas assez étrange pour justifier un moment aussi étrange. Considérez celui-ci comme une expérience ratée que Netflix a à juste titre jetée dans un feu de publicité, pour ne plus jamais être entendue.
Tout l'oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies passées
En 2010, Apichatpong Weerasethakul, connu familièrement sous le nom de Joe, est devenu le premier cinéaste thaïlandais à remporter la prestigieuse Palme d'Or au Festival de Cannes avec le drame profondément unique Oncle Boonmee qui peut se souvenir de ses vies passées . Le film se concentre sur les derniers jours de la vie de son personnage principal alors qu'il explore ses vies passées avec ses proches, y compris l'esprit de sa défunte épouse et de son fils perdu qui est revenu sous forme d'esprit. Sukhdev Sandhu de Le télégraphe quotidien décrit l'oncle Boonmee comme 'à peine un film; plus un monde flottant', ce qui est fort approprié. Sa combinaison de styles et de genres cinématographiques en fait l'une des explorations de la mort les plus énigmatiques et les plus belles des années 2010 sur grand écran. Vive le bizarre.
Caoutchouc : le film sur un pneu qui tue
Nous pourrions simplement écrire la description de l'intrigue pour Caoutchouc ici et cela suffirait à expliquer son placement sur notre liste. Oui, c'est un film sur un pneu tueur. Le réalisateur français Quentin Dupieux, également connu sous le nom de DJ et musicien Mr. Oizo, s'est engagé dans cette intrigue folle où un pneu nommé Robert prend soudainement vie quelque part dans le désert californien. Après avoir appris à rouler en avant et à écraser des objets, Robert découvre qu'il a des pouvoirs psychocinétiques et qu'il peut faire exploser les choses - et les êtres vivants. Caoutchouc est à mi-chemin entre un film B trash et une œuvre d'art introspective, mais rien que pour la créativité, cela vaut la peine.
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