Wes Anderson est considéré comme l’exemple moderne d’un cinéaste d’auteur. Sa bravoure caractéristique se reflète dans chaque film.
Wes Anderson est considéré comme l’exemple moderne d’un cinéaste d’auteur. Sa bravoure caractéristique se reflète dans chaque film. Anderson s'est inspiré des récits de François Truffaut, de l'esthétique de Stanley Kubrick, des dialogues de Mike Nichols, du tempo de Martin Scorsese et de la grandeur d'Orson Welles. Grâce à cela, il a formulé son style bien connu.
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Les admirateurs de son travail s’identifieraient facilement à sa narration thématique, à son style visuel et à ses personnages éclectiques. Il ne pourrait y avoir aucun autre genre qui définisse Wes Anderson à part Wes Anderson. Voici dix tropes cinématographiques qui sont la signature de Wes Anderson.
Utilisation de marionnettes et de modèles pratiques
Anderson fait partie des cinéastes qui s'appuient encore sur les effets pratiques. Ainsi, il utiliserait des modèles réduits, des animations en stop-motion et des marionnettes soignées pour des décors élaborés. (Oui, y compris la scène de poursuite à ski dans Hôtel Grand Budapest .) C'est une démarche logique, puisque ses protagonistes auraient tendance à s'appuyer sur leur instinct pratique pour les aider à se sortir des situations tendues.
Le recours d’Anderson aux effets pratiques a commencé avec La Vie Aquatique de Steve Zissou avec les décors du chantier naval et le requin tigre. Il a utilisé son talent pour ces effets pour réaliser des longs métrages en stop-motion avec Fantastique M. Fox et L'île aux chiens .
Rapports d'aspect
Un rapport hauteur / largeur détermine la hauteur et la largeur d'une image de film. Avec l'innovation de la technologie cinématographique, de nombreux formats sont développés et tous les films ne sont pas filmés avec le même format d'image. Et ils ne peuvent être appliqués qu’à la période ou à l’esthétique du film appropriée.
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Wes Anderson a pleinement profité de l'utilisation de différents formats d'image pour amplifier l'ampleur de ses visuels et son impression d'époque. Ceci est apparent dans Hôtel Grand Budapest , où il a utilisé trois formats d'image différents pour distinguer les différentes périodes ; avec les années 1930 en 1,37:1, les années 1960 en 2,35:1 et les années 1980 en 1,85:1.
Noms éloquents
Les films d’Anderson intégreraient une construction du monde élaborée avec des cultures et une anthropologie clairement définies. Qu’il s’agisse d’une fusion de n’importe quel pays d’Europe centrale ou d’un Japon impérialiste dystopique, il élargirait ses décors et ses personnages de manière complexe. Cela se voit dans les noms de ses personnages.
Les Tenenbaum royaux a Etheline Tenenbaum et Raleigh St. Clair pour n'en nommer que quelques-uns. Le Grand Budapest a des noms comme Jopling, Kovacs, Henckels et Clotilde comme sources d'inspiration pour la culture d'Europe centrale. Les principaux chiens de L'île aux chiens sont Chief, Rex, King, Duke et Boss. Et le prochain Expédition française ont des noms plus élaborés.
Mode Hipster
Certains films de Wes Anderson sont devenus cultes parmi les cinéphiles et même les créateurs de tendances de la mode, séduits par le style unique du cinéaste. Anderson s'est entretenu avec des fans de mode vintage et des styles de contre-culture actifs.
Alors que chaque film d'Anderson en direct avait son design de mode distinctif (dont quatre sont de Milena Canonero), le film qui a reçu le plus de succès en termes de déclaration de mode est Les Tenenbaum royaux . L'équipage s'est inspiré des tendances des années 1960 et du livre de JD Salinger. Franny et Zoey pour créer le look unique de chacun des Tenenbaum. Ainsi, la mode de Margo et Chas a résisté à l’épreuve du temps.
Bande-son éclectique
Comme tout cinéaste au style distinctif, Anderson incorporerait ses propres goûts musicaux à ses films. À l'exception de Grand Budapest , chaque film a sa bande originale éclectique et une chanson remarquable.
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Ceci est mis en évidence pour la première fois sur Fusée en bouteille , où 2000 Man and Love's Alone Again Or des Rolling Stones. Dans Rushmore , c'était un hommage aux Kinks. Dans Tenenbums royaux , Everyone de Van Morrison et These Days de Nico sont joués dans deux scènes emblématiques. Dans Vie aquatique , Starálfur de Sigur Rós a été joué dans un moment d'émotion. Et en Royaume du lever de lune , les partitions de Benjamin Britten hantent tout au long. Cela prouve l’importance des bandes sonores.
Personnages dysfonctionnels
Anderson aurait toujours les mêmes types de personnages dans chacun de ses films. Pourtant, la plupart d’entre eux sont uniques en leur genre. Cependant, le thème le plus courant est celui de leurs relations dysfonctionnelles et de leur éventuelle résolution.
Dans Fusée en bouteille , c'est entre Anthony et Bob contre Dignan. Dans Rushmore , c'est Max contre M. Blume. Dans Les Tenenbaum royaux , il s'agit principalement de Royal versus sa famille. Dans Darjeeling Limitée , c'est entre les frères Whitman. Et en Royaume du lever de lune , c'est Sam et Suzie contre New Penzance. On pourrait facilement déceler un conflit relationnel.
Mouvement de caméra ludique
Ce qui distingue Anderson, ce sont ses techniques ludiques devant la caméra. Il s'agit d'une extension de ses techniques de narration pour rendre ses histoires distinctives, améliorer le récit, illustrer le ton et créer des notes subtiles sur ses personnages.
Ainsi, il y aurait des prises de vue aériennes de n'importe quel objet. Il y aurait des zooms avant et arrière pour soit intensifier la situation, soit agrandir le décor. Il y aurait des panoramiques de caméra pour mettre l’accent sur les actions d’un personnage, que ce soit pour l’humour ou pour l’intrigue. Il y aurait également des plans moyens fréquents mettant en vedette chaque personnage, comme l'ouverture emblématique de Les Tenenbaum royaux .
Composition symétrique des scènes
Anderson est toujours connu pour son obsession de la symétrie. En tant qu'auteur, son attention perfectionniste aux détails l'oblige à construire chaque scène de manière complexe avec finesse et originalité. Seuls quelques cinéastes comme Anderson peuvent réaliser cette narration visuelle idiosyncrasique. Bien que l’on puisse débattre de la nécessité de la symétrie dans ses films, il est justifié que le récit d’Anderson aborde des mondes autonomes, comme si l’on feuilletait un livre d’histoires. (Ainsi, le motif des chapitres.)
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Son esthétique symétrique est très évidente dès Rushmore sur la création des clubs parascolaires de la Rushmore Academy, Vie aquatique dans les plans submersibles et Royaume du lever de lune de la première rencontre de Sam et Suzie.
Livraison en ligne impassible
Anderson a un goût unique pour l'humour. Il est joli que ses films aient des touches de comédie noire, mêlées de pitreries physiques et de gags visuels. Ainsi, chaque artiste doit livrer des répliques aussi impassibles que possible. Personne n’est aussi bruyant ni aussi splendide que l’autre. Tout le monde livre l’humour avec un visage impassible. La ligne impassible correspond bien aux thèmes lourds d’Anderson que sont la mort, l’existentialisme, les querelles familiales et la nature humaine.
Considérez ceci à partir de Hôtel Grand Budapest quand Monsieur Gustave livre son monologue de lueurs de civilisation ; il dicte directement jusqu'à la fin des jurons. C'est drôle de livraison.
Connexions père-enfant
Outre son esthétique visuelle incomparable, le trope de Wes Anderson qui a été négligé par d’autres est ses arcs subtils père-enfant. Chaque film établissait l’objectif thématique que les personnages principaux voulaient secrètement atteindre : un lien paternel qui n’était pas de leur sang.
C'était en pleine lueur Rushmore avec M. Blume et Max, dans Les Tenenbaum royaux avec Royal et Chas/Richie/Margot, dans Vie aquatique avec Steve Zissou et Ned, dans Fantastique M. Fox avec M. Fox et Ash, dans Royaume du lever de lune avec le capitaine Sharp et Sam, dans Hôtel Grand Budapest avec M. Gustave et Zéro, et en L'île aux chiens avec Chief et Atari. Soit ces personnages ont acquis ces connexions, soit ils les ont finalement perdus. L’important est que cela ait été réalisé à un moment donné. C'est un outil d'histoire efficace de Wes Anderson.
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