Les nominations aux Oscars 2021 ont été annoncées, avec 8 films en lice pour le premier prix du meilleur film. Voici les nominés classés du pire au meilleur.
Le 2021 Oscars Les nominations ont été annoncées, mais comment les nominés pour le meilleur film de cette année se classent-ils du pire au meilleur ? Sélectionnés comme toujours par les près de 10 000 membres de l'Académie des arts et des sciences du cinéma, les Oscars représentent le meilleur du cinéma décidé par les réalisateurs, scénaristes, acteurs, artisans et techniciens qui y travaillent.
Comme toujours, il y a quelques rebuffades et surprises notables parmi les nominés aux Oscars 2021, y compris dans la course au meilleur film. L'Académie n'a jugé bon de nommer qu'un seul film centré sur les Noirs, Judas et le Messie noir , laissant les nominés aux Screen Actors Guild Ensemble Award Les fesses noires de Ma Rainey, Une nuit à Miami, et Avec 5 sangs à l'extérieur en regardant à l'intérieur. Il manque également la collaboration de Paul Greengrass et Tom Hanks Nouvelles du monde , et ceux qui espèrent un Film ultérieur de Borat hod devra se contenter de ses nominations pour le scénario adapté et l'actrice dans un second rôle.
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Pourtant, il y a beaucoup d’histoire à célébrer. C'est la première fois que deux femmes sont nominées dans la catégorie Meilleur réalisateur. Chloé Zhao est non seulement la première femme à être nominée pour quatre Oscars en un an, mais aussi la première femme sino-américaine nominée pour le poste de réalisatrice. Elle et à la douleur Le réalisateur Lee Isaac Chung ne représente également que les cinquième et sixième réalisateurs asiatiques de la catégorie. Conformément à ces nominations, la liste du meilleur film de cette année est remarquablement diversifiée dans ses créations, ses acteurs, son style et ses sujets, en particulier pour une année qui a vu la fermeture des salles de cinéma en raison d'une pandémie mondiale. Voici les nominés, classés du pire au meilleur.
8. Le procès des Chicago 7
Aaron Sorkin a écrit des scénarios vraiment fantastiques, mais leurs traductions à l'écran étaient généralement réalisées par des réalisateurs magistraux comme David Fincher, Rob Reiner ou Danny Boyle. Laissé à lui-même en tant qu'écrivain et réalisateur, il est aux prises avec un scénario écrasé et un style visuel plat qui donne un prestige solide mais médiocre pour la saison des récompenses. Chicago 7 se concentre sur le tristement célèbre procès de 1969, né des manifestations contre-culturelles lors de la Convention démocrate de 1968, mais son esprit ne pourrait être plus éloigné de celui de ses sujets radicaux. C'est trop compliqué, trop écrit, trop axé sur le patriotisme facile et sur les histrioniques triomphales et brandissant des drapeaux des anciens nominés aux Oscars. Bien sûr, il y a de solides performances, notamment de Mark Rylance, Frank Langella et Michael Keaton dans un tour bref mais qui vole la scène. Cependant, tout cela semble étrangement éloigné et fallacieux par rapport aux luttes réelles qui se déroulaient à l’époque et à celles auxquelles l’Amérique est confrontée actuellement.
7. Le père
Anthony Hopkins donne l'une de ses plus grandes performances de tous les temps en tant qu'homme fier (également nommé Anthony) s'efforçant de surmonter et de nier sa démence qui s'étend rapidement. Au cours d'une année remplie de transferts scène-écran, le réalisateur Florian Zeller trouve une approche remarquablement cinématographique de ce qui pourrait être une adaptation assez scénique de sa propre pièce, plaçant le spectateur fermement dans l'esprit de Hopkins, même s'il le perd. . Les personnages apparaissent sans introduction et les scènes s'enchaînent avec une telle rapidité qu'on ne peut s'empêcher de sympathiser avec Anthony, dont le ressentiment est à la fois palpable et compréhensible alors que sa rationalité et son humanité sont peu à peu compromises. Pourtant, c'est surtout une vitrine de performance remarquable, à la fois pour Hopkins et pour Olivia Colman, qui, en tant que fille solidaire mais souffrante, est discrètement déchirante.
6. Jeune femme prometteuse
Le premier film d'Emerald Fennell est une comédie noire couleur bonbon centrée sur la rusée Cassie, une 'jeune femme prometteuse' cherchant à venger le viol de sa meilleure amie en simulant l'ivresse dans les clubs, en rentrant chez elle avec des hommes qui tentent de profiter d'elle, et les traiter comme bon lui semble. Le scénario est un champ de mines de problèmes brûlants, certains mieux traités que d'autres, mais il y a une audace indéniable à Jeune femme prometteuse , en particulier dans sa fin, qui voit le film prendre une série de tournures inattendues qui aliéneront certains spectateurs tout en captivant d'autres. Tout au long de tout cela, Carey Mulligan élève le sujet avec une performance qui fonde ce vengeur potentiellement caricatural dans le rôle d'une femme en deuil de la perte de sa meilleure amie, alors même que le film autour d'elle a du mal à avoir son gâteau et à le manger aussi comme un thriller de vengeance et une gestion responsable des thèmes de l’ère #MeToo.
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5. Le son du métal
L'une des meilleures surprises de la liste des nominés de cette année est le captivant film de Darius Marder. Le son du métal , l'histoire douloureusement mélancolique de Ruben, un batteur de hard rock confronté à la perte de l'audition. Ancré par Riz Ahmed dans l'une des meilleures performances de l'année et soutenu par une conception sonore expérimentale et digne d'un Oscar qui donne au spectateur la possibilité d'entendre avec les oreilles de Ruben, le film de Marder semble avant tout engagé à représenter la communauté sourde avec un degré révolutionnaire de nuance et d’humanité. Plusieurs acteurs sourds complètent Le son du métal Le casting de soutien de , mettant en avant le thème du film selon lequel la surdité n'est pas un handicap, mais une identité, et c'est ce casting qui donne au film sa remarquable authenticité. Même s'il s'agit du film d'Ahmed, les meilleures scènes sont celles où il partage l'écran avec Paul Raci, désormais nominé aux Oscars, le fils entendant de parents sourds, qui joue le chef doux mais ferme d'un foyer pour toxicomanes sourds en convalescence. .
4. Judas et le Messie noir
Le film de Shaka King a dominé la saison des récompenses avec des victoires pour la performance galvanisante de Daniel Kaluuya dans le rôle de Fred Hampton, mais son intrigue commence avec William O'Neal (joué par Lakeith Stanfield), un homme noir arrêté pour avoir volé une voiture et qui a proposé un accord de plaidoyer si il infiltre la section de l'Illinois des Black Panthers et rassemble des renseignements sur son président, Hampton. Ce Défunt -le cadre de style donne au film la tension et la tension d'un thriller policier, tout en servant simultanément une leçon d'histoire sur les principaux objectifs du mouvement Panther (responsabilité de la police, éducation et réforme pénitentiaire, et solidarité des groupes minoritaires), et J. Edgar La violente campagne de diffamation menée par Hoover auprès du FBI, qui a conduit à une image négative du mouvement jusqu'à ce jour. La mise en scène de King est presque documentaire dans sa capture de l'époque, à la fois dans son authenticité et sa brutalité, mais son scénario (co-écrit avec Will Berson) reste fermement concentré sur le personnage, sachant qu'avec Stanfield, Kaluuya, Jesse Plemons et Avec l'actrice de soutien Dominique Fishback (dans le rôle de la fiancée de Hampton, Deborah Johnson), il a réuni l'un des meilleurs castings de l'année.
3. Manque
Ceux qui attendent Manque être une lettre d'amour nostalgique au vieil Hollywood ou un simple aperçu des coulisses de la réalisation de Citoyen Kane sont sûrs d'être déçus. Mais là encore, quand David Fincher a-t-il déjà répondu de front aux attentes du public ? C'est vrai son meilleur film depuis Le réseau social est minutieusement authentique, de sa bande-son mono à sa photographie en noir et blanc, en passant par sa production et la conception de ses costumes, jusqu'à ces marques de brûlure de changement de bobine qui apparaissent dans le coin supérieur droit de l'écran. Cependant, derrière la précision technique se cache une histoire plus profonde sur les responsabilités des films envers leur public. Le système de studio de Manque peut sembler jour et nuit de notre part, mais l'idée d'une usine à rêves produisant des divertissements facilement consommables en période de bouleversements politiques, une première démonstration de fausses nouvelles et l'image d'un homme qui veille le soir des élections et réalise les choses se sont déroulées horriblement, horriblement mal, cela témoigne d'une telle urgence de l'histoire récente qu'elle en devient obsédante. Manque est moins une célébration de Citoyen Kane que de la façon dont les films peuvent toujours importe – comment un homme peut utiliser un système brisé pour se venger de sa corruption innée de la seule façon qu’il connaît – en écrivant le plus grand film de tous les temps.
2. À la douleur
Le film semi-autobiographique de Lee Isaac Chung sur l'enfance d'un immigrant sud-coréen dans l'Arkansas est non seulement l'un des films les plus adorables et les plus tendres de l'année, mais aussi l'un des plus américains. Steven Yeun et Youn Yuh-jung ont reçu des nominations aux Oscars pour leurs performances dans à la douleur comme le patriarche s'efforçant de rendre sa famille fière et la grand-mère grossière mais adorable, respectivement. Cependant, l'ensemble est remarquable ; Noel Kate Cho et Alan Kim, le chéri de la saison des récompenses, donnent des performances d'enfants merveilleusement humaines, et Han Ye-ri, en tant que mère essayant de tirer le meilleur parti d'une situation loin d'être idéale, est sans doute le cœur battant de tout le film. La musique frémissante et bouleversante d'Emile Mosseri est l'incarnation du rêve américain, un morceau de musique mélancolique mais nostalgique parfaitement adapté à ce film vert et luxuriant sur la destruction terrifiante du déracinement de sa vie et les possibilités illimitées de ce qui nous attend après.
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1. Pays nomade
Il y a eu beaucoup de bons films cette année, mais un seul aussi beau, aussi élémentaire, aussi bouleversant que Pays nomade , le portrait d'étrangers nomades de Chloé Zhao qui transcende le simple cinéma et atteint le sublime. Publicité comme un bref répit entre son film précédent Le cavalier et le prochain Marvel Les Éternels, Nomadland est tout sauf jeté. La caméra itinérante, la photographie magique de l’Ouest américain, la musique doucement déchirante – ces éléments combinés créent continuellement des moments qui célèbrent la vitalité de la vie tout en pleurant une Amérique perdue. Bien sûr, cela aide d'avoir Frances McDormand, dont la rigueur envers les projets et l'engagement envers la vérité lui permettent de livrer une fois de plus l'une des performances de l'année, se fondant dans un casting de nomades de la vie réelle et partageant l'écran avec eux de telle manière que leurs histoires brillent plus que n’importe quelle star de cinéma. S’il y a un film cette année qui démontre toute la puissance du cinéma, comment il peut donner au public une fenêtre sur des vies différentes de la leur, même s’il touche quelque chose de profond et de vrai en eux-mêmes, ne cherchez pas plus loin.
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