Quels sont les originaux Netflix les plus remarquables de 2019? Notre liste comprend des films majeurs ainsi que des joyaux cachés que vous avez peut-être manqués.
Si vous cherchez quelque chose à regarder pendant que nous disons au revoir à 2019, voici les meilleurs Netflix films originaux de l'année. le service de streaming continue d'investir massivement dans des émissions de télévision et des films originaux, et cette année a publié de nombreux candidats à la saison des récompenses. Mais les films les plus en vue ne sont pas toujours les meilleurs par rapport aux sorties internationales moins connues. Ici, nous décomposons 10 films qui ont laissé une trace en 2019.
En 2018, Netflix a sorti des films acclamés par la critique tels que Alfonso Cuarón's Rome et les frères Coen La ballade de Buster Scruggs . Cette dernière année, des films comme Oiseau volant haut et Buzzsaw en velours n'est pas nécessairement devenu un sujet de discussion sur la culture pop, mais le film d'action de retour Triple frontière a gagné un peu de buzz, ne serait-ce que pour son attrait de divertissement pop-corn. Netflix a programmé les plus grandes sorties pour plus tard en 2019 dans le cadre d'une stratégie visant à s'aligner sur la compétition pour la saison des récompenses.
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Alors, allons-y. Ce sont les meilleurs Netflix Originals de 2019: des films de haute qualité qui équilibrent efficacement le style avec la substance et ont quelque chose à dire.
10. Fracturé
Réalisé par Brad Anderson, Fracturé s'appuie fortement sur la performance centrale de Sam Worthington. Après une quasi-tragédie, Ray Monroe (Worthington) emmène sa fille blessée Peri (Lucy Capri) et sa femme effrayée Joanne (Lily Rabe) à l'hôpital, pour les perdre de vue et ensuite se faire dire qu'ils n'étaient jamais vraiment là. Le thriller psychologique excelle par le rythme et la retenue, notamment lorsqu'une sous-intrigue implique que Ray pourrait avoir découvert une opération secrète du sous-sol.
D'une durée de 100 minutes, il y a un zone floue effet à Fracturé cela crée un sentiment de paranoïa durable. Anderson fait tourner le moteur très tôt et ne se retient pas car Ray devient de plus en plus perturbé et maniaque. Il est à la fois une figure sympathique et un homme clairement au bord de la rupture. Structurellement, le montage capture l’essence du titre du film. Fracturé est un solide original de Netflix, sorti sans trop de buzz alors que les guerres de streaming s'intensifiaient en octobre 2019.
9. Soyez toujours mon peut-être
Les explorations de la culture alimentent Nahnatchka Khan Soyez toujours mon peut-être , une comédie romantique avec une bande-son chargée. Ali Wong incarne le célèbre chef Sasha Trana, tandis que Randall Park joue son copain de longue date Marcus Kim - un natif attachant de San Francisco qui n'a pas encore pleinement pris le contrôle de sa vie d'adulte. La première moitié de Soyez toujours mon peut-être frappe tous les tropes de genre habituels, mais la comédie augmente considérablement lorsque Keanu Reeves fait une apparition en tant que version caricaturée de lui-même.
En livrant une performance exagérée en tant que nouveau petit-ami de Sasha, Reeves met en lumière la chimie naturelle entre Wong et Park, qui avait auparavant collaboré sur ABC. Fraîchement débarqué du bateau . Une fois que Sasha et Marcus ont déchargé leurs sentiments, à la fois silencieusement et bruyamment, Soyez toujours mon peut-être se sent soudain plus organique et moins artificiel. Alors que la com de rom de Netflix 2018 Mettre en place met en évidence le charisme de la femme principale Zoey Deutch, le film de Khan fait de même avec Wong, seul le chemin de son personnage vers la réalité est beaucoup plus intense. Malgré tous les clichés de genre, Soyez toujours mon Mayb C'est en effet une comédie romantique intelligente - une comédie qui met en scène des personnages qui doivent vraiment s'humilier pour trouver le bonheur.
8. Atlantique
La quintessence du cinéma original, Mati Diop Atlantique tourne autour de rêves et de cauchemars à Dakar, au Sénégal. Lorsque l'ouvrier du bâtiment Souleiman (Ibrahima Traoré) insiste sur sa sécurité financière, il met les voiles avec de nombreux Dakarois à la recherche de meilleures opportunités. Pendant ce temps, Ada (Mame Bineta Sane) envisage d'épouser le frère de son amant étoilé, Souleiman. Alors que le récit de Dakar devient plus mouvementé, Atlantique » les visuels deviennent de mauvaise humeur et atmosphériques. Diop rend d'abord hommage à de célèbres cinéastes sénelgalais comme Ousmane Sembène et Djibril Diop Mambéty, pour établir sa propre voix cinématographique.
Atlantique se distingue par son style visuel, mais aussi par la messagerie de Diop - en particulier via les esprits perdus qui hantent le frère de Souleiman, Omar (Babacar Sylla). Il n'y a pas de réponses claires d'un acte à l'autre, mais plutôt l'implication que les personnages doivent regarder profondément à l'intérieur afin de trouver un sentiment de paix. Atlantique met en lumière le travail d'un cinéaste en devenir, et Diop est même entré dans l'histoire en devenant la première femme noire à avoir un film en compétition au Festival de Cannes.
7. Soni
Un film en langue hindi, d’Ivan Ayr Soni explore les rôles de genre à New Delhi. Plus précisément, il s'agit du danger que courent les femmes lorsqu'elles défient des personnalités faisant autorité. Dans ce cas, Geetika Vidya Ohlyan joue le rôle du personnage principal, un policier sensé essayant de gérer émotionnellement un divorce. Alors que la tourmente intérieure de Soni s'intensifie, elle devient de plus en plus agressive. Lorsqu'elle gifle un officier de la Marine, Soni doit faire face aux conséquences et affronter un système patriarcal qui protège le sien.
Comme avec Fracturé , Soni présente une forte performance centrale. Pour compléter l’humeur morose du personnage principal, le directeur de la photographie David Bolen conserve une palette de couleurs saturée, donnant ainsi l’impression que Soni vit sous une pluie constante. Le film d'Ayr se déroule comme une procédure policière régulière, permettant à lui et au co-scénariste Kislay de se concentrer sur l'oppression systématique à laquelle Soni est confrontée. Et Soni n’est pas non plus une figure innocente. Elle est rude sur les bords et prend diverses décisions discutables. Mais telle est la vie. Comme Soni suggère, un changement de décor peut parfois conduire à une nouvelle perspective rafraîchissante.
6. Mon nom est Dolemite
Dans Dolemite est mon nom , une icône de la comédie offre une classe de maître en humour situationnel. Eddie Murphy incarne le cinéaste Rudy Ray Moore, qui a réalisé et joué dans le classique de Blaxploitation de 1975 Dolémite . Écrit par Scott Alexander et Larry Karaszewski, Dolemite est mon nom passe de scène en scène avec des one-liners nets, tandis que la direction de Craig Brewer capture toute la saveur atmosphérique du monde de Rudy Ray, tout comme il l’a fait avec le drame musical de 2005 Hustle & Flow . Mais Dolemite est mon nom est finalement une vitrine pour Murphy, qui prouve qu'il est toujours un homme de premier plan viable.
Il y a une vraie qualité nostalgique à Dolemite est mon nom grâce au dialogue de Murphy. Les fans de longue date penseront sûrement aux gags comiques du Flic de Beverly Hills franchise, ou même les spectacles de stand-up classiques des années 80 de Murphy. Mais ce qui est fascinant, c’est la polyvalence de Murphy en tant qu’interprète. À maintes reprises, il a montré une capacité unique à improviser sur le moment, mais aussi à réduire la taille pour des interactions authentiques et sincères avec les personnages de soutien. Dolemite est mon nom peut ne pas être l'un des originaux Netflix les plus durables de 2019, mais ses points faibles sont rares. L'attention aux détails est impeccable, en particulier dans la façon dont Brewer recrée le plus célèbre Dolémite des moments. C’est une machine bien huilée fabriquée par des pros d’Hollywood chevronnés.
5. La forêt de l'amour
Réalisé par la cinéaste japonaise Sion Sono, La forêt de l'amour est une drame bizarre de 151 minutes sur la réalisation de méta-films et la manipulation du pouvoir. C’est un film violent et provocateur centré sur le mystérieux Joe Murata (Kippei Shiina). Au début, il est considéré comme une menace pour un groupe de jeunes cinéastes de type guérilla, et pourrait même être un prédateur sexuel. Mais il est aussi charismatique et motivé, ce qui déclenche une spirale descendante pour tous ceux avec qui il interagit.
Ce n'est pas une montre facile, car La forêt de l'amour comprend des scènes de suicide, d'agression sexuelle et des représentations graphiques de meurtre. Au-delà de toutes les provocations cinématographiques, cependant, il y a une étude de personnage intéressante à considérer non seulement pour Murata, mais aussi pour les jeunes dont il se nourrit. En révélant lentement la vérité sur sa personnalité, Murata parvient d'une manière ou d'une autre à gagner plus de pouvoir, tout comme les individus riches qui choisissent de doubler avec bravade plutôt que de s'excuser à plusieurs reprises pour des actes douteux. La forêt de l'amour traîne à certains moments, mais il est toujours évident que Sono est en train de faire le film qu'il veut faire; un conte d'inspiration dostoïevskienne sur le crime et la punition. Et Sono semble avoir un moment d'enfer, permettant une expérience de visionnement de montagnes russes.
4. J'ai perdu mon corps
Un film d'animation français réalisé par Jérémy Clapin, J'ai perdu mon corps présente une prémisse surréaliste pour un commentaire sur l'acceptation et le destin. Le film commence par une main coupée essayant de trouver son corps, une intrigue secondaire qui complète le scénario principal d'un livreur de pizza solitaire nommé Naofel. Il est secrètement obsédé par une cliente du nom de Gabrielle et obtient un travail d'atelier avec son père. J'ai perdu mon corps a le ton et l’humeur d’un film de Guillermo del Toro, mais la clé de son efficacité peut être le suspense croissant et la préfiguration visuelle de l’inévitable coupure de la main de Naofel.
Naofel est une figure tragique de J'ai perdu mon corps , traumatisé par un accident de voiture dans son enfance qui a laissé ses parents morts. S'il ne se sent pas à l'aise au départ en raison de son harcèlement discret, cela change une fois qu'il a construit une véritable amitié avec Gabrielle. Ils sont tous les deux coincés dans un instant, incertains de ce que l'avenir leur réserve, d'autant plus que le père de Gabrielle est malade. Dans son ensemble, J'ai perdu mon corps est mémorable pour son esthétique visuelle, et aussi pour le récit peu orthodoxe. Mais Le film de Clapin devient incroyablement émouvant et subversif, une fois que la main coupée le retrouve à Naofel.
3. Histoire de mariage
Noah Baumbach a écrit et réalisé ce Netflix Original, un film partiellement inspiré par sa relation avec Jennifer Jason Leigh. Dans Histoire de mariage , Scarlett Johansson et Adam Driver jouent le rôle du couple de séparation Nicole et Charlie Barber, qui découvrent à quel point une procédure de divorce peut être épuisante sur le plan émotionnel. Le film est étonnamment léger et plein de moments de performance mémorables, grâce à la distribution de l'ensemble acclamée.
Par exemple, Merritt Wever a un rôle relativement limité en tant que sœur Cassie de Nicole dans Histoire de mariage , mais capitalise sur son bref temps d'écran avec de nombreux moments comiques. De même, Alan Alda adopte une approche naturaliste avec son personnage d'avocat Bert Spitz, un homme dont l'empathie fonde chacune de ses conversations avec Charlie. le Histoire de mariage Les têtes d'affiche sont Driver et Johansson, bien sûr, et ils mettent en valeur l'ensemble de leurs compétences à travers des conversations profondément intenses et informelles. Incidemment, Histoire de mariage capture tous les hauts et les bas d'un divorce et comment les événements en cours affectent toutes les personnes associées au couple en question. Baumbach semble toujours entièrement aux commandes de son métier, mais Histoire de mariage semble un peu plus raffiné que ses films précédents, en grande partie à cause du facteur de vulnérabilité qui se traduit à l'écran.
2. Les deux papes
Tandis que Histoire de mariage est ancré dans des concepts de tous les jours, Les deux papes est plus ambitieux sur le plan philosophique. Réalisé par Fernando Meirelles, le drame se concentre sur la relation entre le pape Benoît XVI (Anthony Hopkins) et le cardinal Jorge Mario Bergoglio (Jonathan Pryce) qui forment un lien unique tout en discutant de l'avenir de l'Église catholique. Bergoglio a été sélectionné pour la papauté (le pape François) après la démission du pape Benoît XVI en 2013. Les deux papes traite des scandales bien médiatisés associés à l'Église catholique, mais ne devient jamais si intense que cela ressemble à un drame traditionnel sur la religion. Au lieu de cela, ce sont les interactions des personnages qui empêchent le film de devenir trop lourd, même si cela signifie fictionner certains événements.
Les performances principales de Hopkins et Pryce sont l’attraction principale, mais c’est la direction de Meirelles qui fait Les deux papes bien plus qu'une simple étude de caractère décent. Le cinéaste inonde l'écran d'une variété de couleurs sur le thème du Vatican, tandis que le directeur de la photographie César Charlone fait le travail de Dieu à travers un cadrage visuellement symétrique qui établit un sens de l'ordre, mais sépare également clairement le personnage principal à certains moments. Et Les deux papes serait un film de qualité inférieure sans le scénario d’Anthony McCarten, un film qui insuffle l’humour dans chaque conversation papale, mais qui présente également un dialogue vraiment viscéral. Les deux papes est une œuvre cinématographique magistrale.
1. L'Irlandais
Avec L'Irlandais , Martin Scorsese montre qu’il est toujours l’un des cinéastes les plus audacieux du cinéma. Le drame de 209 minutes est basé sur le livre Je t'ai entendu peindre des maisons , qui détaille les aveux de meurtre du tueur à gages présumé Frank Sheeran. Thématiquement, L'Irlandais rappelle beaucoup des classiques du crime les plus appréciés de Scorsese, seule la portée et la structure nécessitent un peu plus de polissage de la mise en scène, notamment en ce qui concerne la technologie de vieillissement utilisée pour les stars Robert De Niro (Sheeran), Al Pacino (chef des Teamsters Jimmy Hoffa ) et Joe Pesci (chef de la mafia de Philadelphie, Russell Bufalino).
Étant donné le narrateur peu fiable (Sheeran), L'Irlandais n’est pas tout à fait un compte rendu purement factuel de ce qui s’est passé avant la disparition de Hoffa en 1975. Mais le runtime épique et la structure narrative de Scorsese permettent une expérience de visionnage lente qui explore correctement la totalité de la chronologie avouée de Sheeran. Certains interprètes parlent à peine du tout, comme Anna Paquin dans le rôle de la fille énervée de Sheeran, Peggy. Mais c'est là que réside la beauté de L'Irlandais , comme Scorsese fournit tout le chaos attendu des personnages masculins, mais livre également des commentaires subtils via ce qui est conservé sous la surface, selon la théorie de l'iceberg d'Ernest Hemingway. Même si le récit de Sheeran n'est pas vrai, L'Irlandais reste un fascinant Netflix Original sur l'histoire révisionniste des États-Unis.