Terminer un film sur une note ambiguë prend une touche délicate. Certains cinéastes, comme les frères Coen ou Martin Scorsese, peuvent donner l'impression que c'est facile. Mais la vérité est que la différence entre une fin ambiguë et simplement une non-fin est une ligne très fine. Même si cela se sent parfois ainsi, les fins ambiguës ne sont pas seulement des fins qui s'arrêtent soudainement sans conclure l'histoire. Les fins ambiguës fournissent toutes les informations dont le public a besoin pour tirer ses propres conclusions et absorber les thèmes du film, puis prendre du recul et laisser les téléspectateurs remplir le reste. Les meilleures fins ambiguës laissent les téléspectateurs penser au film pendant des semaines après. Ils sont sans cesse discutables et font constamment l'objet de théories de fans.
Nous avons rassemblé nos 15 fins ambiguës préférées absolues dans le film. Évidemment, nous discuterons des spoilers pour les quinze films ci-dessous, donc si vous n'avez pas vu d'entrée, il vous est conseillé de sauter celle-là. Ce sont les fins qui ne font pas un nœud soigné sur tout. Ce sont les fins qui restent dans votre tête et vous laissent perplexe. Ceux-ci sont Les 15 fins les plus ambiguës des films .
15. Pas de pays pour les vieillards
Honnêtement, nous aurions presque pu remplir cette liste avec les fins de Coen Brothers. Dans un souci d'équité, nous avons choisi de nous limiter à quelques-unes de leurs fins les plus classiques. Nous commencerons par la finale poignante et mystérieuse du drame néo-occidental sombre de Coen, Il n'y a pas de pays pour les vieillards .
En quelques instants rapides et brutaux, plusieurs de nos personnages principaux sont morts. Chigurh, la force impie du mal qui balaie l'État, s'en va, son destin incertain. Le film trouve le shérif Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), la conscience apparente du film, en train de parler à sa femme au petit-déjeuner. Jones murmure un monologue énigmatique, sur les rêves qu'il a eus la nuit précédente. Les deux rêves concernent son père, qui, selon Bell, est maintenant le plus jeune, car Bell a 20 ans de plus que son vieil homme. Dans l'une, il était censé recevoir de l'argent de son père. Dans l'autre, il voit son père le dépasser à cheval sur un froid chemin de montagne, et il sait qu'il le rejoindra devant lui. L'écran devient noir sur ce moment calme, et le film est terminé.
Comme un grand morceau de littérature, les cinéphiles se sont penchés et ont longuement discuté de ce monologue. Il peut être lu de plusieurs façons, d'un commentaire sur l'évolution de la société à une méditation sur la vie et la mort ou à un éloge funèbre pour une époque plus simple. Et comme toute grande fin, toutes les interprétations sont valables.
14. Le projet Blair Witch
Dès sa sortie, Le projet Blair Witch était entourée de mystère. Le public se demandait dans quelle mesure, le cas échéant, ce qu'il regardait était réellement réel. La campagne de marketing minimaliste a fait un usage brillant de l'Internet naissant pour alimenter la spéculation et générer de l'authenticité. Tout cela culmine dans le plan final du film, qui est capable d'être complètement terrifiant sans vraiment rien révéler.
Le plan final mystérieux et glaçant de Mike debout dans le coin est d'une simplicité élégante, mais suscite tant d'effroi et de mystère. Bien sûr, nous ne voyons jamais une vraie sorcière ou un tueur de quelque sorte que ce soit. Cela lierait les choses trop proprement et nous laisserait inévitablement déçus. Beaucoup plus efficace est le choix des cinéastes d'incorporer des détails appris plus tôt dans le film par les habitants de la ville. Au début, un vieil homme dit aux enfants qu'un meurtrier dans les bois avait l'habitude de tuer des enfants et de faire tenir leurs amis dans le coin pendant qu'il le faisait. Avec cette information à l'esprit, ce dernier plan de Mike dans le coin nous donne des frissons dans le dos, sans que le film ait explicitement à résoudre quoi que ce soit. Nous devrons voir si la prochaine Blair Sorcière suite est capable de créer une fin aussi effrayante que l'original.
13. Doute
Le drame profond, subtil et intelligent de John Patrick Shanley Doute est tout au sujet de l'inconnu. Le film, basé sur une pièce de théâtre du même (également écrite par Shanley), aborde les concepts épineux de la foi, de la religion et de la confiance avec une touche nuancée et délicate. Il est donc logique que la finale émotionnelle résiste également aux réponses faciles.
Philip Seymour Hoffman joue le nouveau prêtre charismatique, le père Brendan Flynn. Il charme autant ses élèves que ses pairs, à l'exception notable de Sister Aloysius, interprétée par Meryl Streep. Sœur Aloysius est résolument traditionnelle dans sa gestion de l'église et elle désapprouve les changements radicaux que représente le père Flynn.
Lorsque sœur James ( Amy Adams ) informe sœur Aloysius que le père Flynn passe peut-être trop de temps avec un élève en particulier, sœur Aloysius commence une croisade pour ruiner le père Flynn. Ses soupçons sont-ils justifiés ? Laisse-t-elle ses sentiments personnels influencer son travail ? Ces questions sont abordées habilement par le scénario miraculeux, et tous les acteurs fournissent le meilleur travail de carrière. Et bien sûr, cela se termine par une finale belle et déchirante, où sœur Aloysius faiblit enfin, ne serait-ce que pour un instant. Elle avoue qu'elle a des doutes. La fin évite magnifiquement de confirmer ou de nier les allégations contre le père Flynn. Le film s'intéresse beaucoup plus aux conséquences désastreuses que le doute, la suspicion et la paranoïa peuvent avoir sur les fidèles.
12. Création
Bien qu'il ait certainement ses détracteurs, Création a eu un énorme impact culturel lors de sa sortie à l'été 2010. Malgré ses défauts, le blockbuster de Christopher Nolan était résolument ambitieux. Une intrigue sinueuse et sinueuse fusionnée avec des effets étonnants et hallucinants pour créer un spectacle estival éblouissant et rafraîchissant.
Il ne fait aucun doute que la fin ambiguë du film a contribué à l'impact culturel du film. Tout au long du film, Nolan joue avec le public, pliant notre confiance et nous faisant nous demander ce qui était un rêve et ce qui était réel. Les personnages eux-mêmes s'y perdent de temps en temps, le personnage Mal de Marion Cotillard en étant l'exemple le plus évident. Nous apprenons que Cobb (Leonardo DiCaprio) utilise une toupie spéciale pour l'aider à séparer la réalité de la fantaisie. Inévitablement, lorsque Cobb atteint sa fin heureuse dans la finale du film, il fait tourner le haut. La caméra s'attarde dessus alors que Cobb va rejoindre sa famille. La toupie continue de tourner, et de tourner, et de tourner et puis... l'écran devient noir.
Alors, Cobb rêve-t-il ou est-il revenu à la réalité ? Nolan ne fournit pas de réponse facile. La question n'est pas de savoir si la fin est réelle ou non, a déclaré Nolan. Le fait est que Cobb ne fait pas attention au sommet à la fin. Cette ambiguïté est rafraîchissante et inattendue dans un blockbuster d'été tentaculaire, et nous apprécions l'audace.
11. 2001 : L'odyssée de l'espace
Ambiguë en quelque sorte ne commence même pas à capturer la fin de 2001 : L'odyssée de l'espace . Dès que Bowman est entraîné dans ce vortex coloré, le film se débarrasse de tout souci de cohérence ou de narration. Il devient uniquement une question de sentiment et est d'autant plus puissant à cause de cela.
S'étendant sur des millions d'années, il est logique que la finale du film soit convenablement épique. Le film est vraiment une odyssée dans tous les sens et, comme toute odyssée, le voyage est plus important que la destination. Les téléspectateurs ne sont pas nécessairement censés comprendre pleinement ce qui arrive à Bowman à la fin du film, alors qu'il glisse dans le temps et dans l'espace. La partie logique de notre cerveau s'éteint lorsque nous assistons aux couleurs psychédéliques et au paysage cosmique changeant. Nous embrassons l'inconnu, tout comme Bowman. Une méditation sur le vieillissement, l'histoire et notre place dans l'univers n'allait jamais fournir de réponses faciles, et cela ne devrait pas être le cas. Kubrick pose simplement les questions et nous laisse faire le reste.
10. Un homme sérieux
L'un des plans finaux les plus excitants, exaltants et finalement obsédants de tous les temps survient à la fin des Coen. Un homme sérieux . Michael Stuhlbarg joue Larry Gopnik, un professeur de physique d'âge moyen qui traverse une crise de la vie. Sa femme le quitte, son frère au chômage reste chez lui et ses chances d'être titularisé s'amenuisent. Une intrigue tout au long du film est Gopnick aux prises avec l'éthique de truquer la note d'un élève pour lui permettre de réussir la classe. Dans les derniers instants du film, Gopnick prend sa décision fatidique. Nous avons ensuite coupé son fils sur le terrain de jeu alors qu'une tornade descend. Somebody to Love de Jefferson Airplane hurle alors que l'écran devient noir.
C’est une fin séduisante et dévastatrice pour un film brillant. Il y a tellement de choses à déballer. Ces derniers instants se déroulent comme une tragédie shakespearienne, et pourtant ils ne fournissent aucune résolution concrète. Il nous reste à analyser le mystère de ce que nous avons vu, tout comme Gopnick essaie de le faire avec sa propre vie.
9. Le diplômé
Cette fin ambiguë est sans doute le moment qui propulse Le diplômé d'un grand film à un chef-d'œuvre. Le drame magnifiquement sobre et sombre est un film merveilleux dès la première image. Mais dans ces derniers instants, Mike Nichols nous montre un aperçu de quelque chose de très rarement vu dans les drames romantiques : l'incertitude. Alors que Benjamin Braddock (Dustin Hoffman) et Elaine (Katharine Ross) s'installent à l'arrière du bus, l'adrénaline qu'ils viennent de ressentir en abandonnant son mariage commence à s'estomper. Sans aucun dialogue, on voit la réalité s'installer sur les visages de l'acteur. Il y a un doute. Il y a la peur. Il y a de l'anxiété. Et puis, le film est terminé.
Ces derniers instants sont si courageux et authentiques qu'il est difficile de croire qu'un studio leur a permis d'être inclus. L'histoire raconte que cette fin n'était pas prévue, mais que Nichols a permis aux caméras de filmer plus longtemps que prévu, et c'est la réaction qu'il a captée de Bancroft et Hoffman. Que ce soit intentionnel ou non, Nichols a capturé un moment profondément humain qui cimente ce film comme un classique.
8. Conduire
Beaucoup de questions restent sans réponse à la fin Conduire . Que devient le Chauffeur ? Revoit-il jamais le personnage de Carey Mulligan ? Est-ce qu'il conduit encore ? Nicolas Winding Refn choisit avec audace de ne pas tout dévoiler à son public. Il est assez généreux pour nous montrer que non, le Chauffeur n'est pas mort. Après une longue prise pleine de suspense, le pilote cligne des yeux et nous savons qu'il survivra. Aucune réponse au-delà de cela n'est cependant donnée.
Cette fin ambiguë convient parfaitement au film étrange qui le précède. Refn subvertit les tropes à gauche et à droite en racontant l'histoire du chauffeur en fuite qui tombe amoureux de la fille d'à côté. Refn trafique dans des visuels magnifiques et violents et une action palpitante. Il n'est pas très intéressé par les fins de contes de fées coupées et sèches. Comme la plupart des films de cette liste, la fin ambiguë est l'une des principales raisons pour lesquelles nous en parlons encore des années plus tard. Ça nous colle à la peau.
7. Perdu dans la traduction
de Sofia Coppola Perdu dans la traduction est aussi charmant et émouvant maintenant qu'il l'était lors de sa première sortie en 2003. Bill Murray joue la star de cinéma vieillissante Bob Harris, sur place au Japon. Dans son hôtel, il rencontre une jeune diplômée solitaire nommée Charlotte, interprétée par Scarlett Johansson. Les deux développent une douce amitié et se lient au cours de leurs aventures à travers le Japon. Le temps passe où Bob doit partir. Dans un geste merveilleux, Coppola choisit de ne pas laisser le public entendre ce que Bob dit à Charlotte alors qu'il la quitte.
Le choix de laisser l'adieu de Bob un mystère est absolument parfait. On voit les réactions sur les deux visages de l'acteur, et ça suffit. Tout ce que nous, en tant que public, trouvons dans nos têtes est meilleur que tout ce que Coppola aurait pu écrire. C'est une fin douce et douce pour un film doux et doux.
Bien sûr, Internet étant ce qu'il est, certains jokers ont manipulé l'audio pour analyser ce que dit Bob. Mais nous n'allons pas partager cela ici. Coppola ne voulait pas que nous sachions et nous respecterons cela.
6. Coureur de lame
Est-ce encore une fin ambiguë si le réalisateur va la gâcher ? C'est une question de philosophes ! Pour nos besoins, nous allons inclure Coureur de lame La finale ambiguë de notre liste, malgré les tentatives de Ridley Scott de gâcher tout le plaisir.
Coureur de lame se termine avec la question de savoir si Deckard est un réplicant ? persiste encore dans l'air. Le film n'est pas explicite d'une manière ou d'une autre, mais il existe des preuves suggérant qu'il est en fait un réplicant. À la fin du film, Deckard trouve une petite licorne en origami laissée en cadeau pour lui. Ceci est un rappel d'un rêve qu'il avait fait plus tôt, ce qui implique que Gaff avait accès à ses souvenirs, ce qui ne serait possible que si Deckard était un réplicant.
Bien sûr, Ridley Scott a fait la une des journaux il y a quelque temps en annonçant officiellement que Deckard était en fait un réplicant tout le temps. Cela draine certainement une partie du mystère du film, mais pris isolément, nous pouvons toujours apprécier l'ambiguïté et le mystère entourant cette finale.
5. Barton Fink
Bien qu'il s'agissait initialement d'une bombe au box-office, ne rapportant que 6 millions de dollars sur son budget de 9 millions de dollars, Barton Fink est devenu l'une des entrées les plus vénérées de l'incroyable carrière de Coen. Non seulement c'est l'un de leurs films les plus vénérés, mais c'est aussi l'une de leurs œuvres les plus perplexes. Cela est dû en grande partie à la fin absurde et exacerbée du film.
Avec l'aide de Charlie Meadows (John Goodman), Barton Fink (John Turturro) échappe aux deux détectives qui le retiennent dans sa chambre et fuit l'hôtel en feu qui est à l'origine de son purgatoire torturant depuis quelques jours. Fink se rend à la plage, où il rencontre une femme comme celle de la photo qu'il regarde au-dessus de son bureau. Elle demande ce qu'il y a dans sa boîte (qui peut ou non être des têtes décapitées) et il dit qu'il ne sait pas. La femme prend alors la pose de la fille sur la photo et un oiseau vole droit dans l'océan. Le public se retrouve avec cette note déroutante. La fin est délicieuse dans son absurdité. Vous pouvez y réfléchir pendant des heures sans même rayer la surface de ce film déroutant et éblouissant.
4. Homme-oiseau
Gagnant du meilleur film homme-oiseau nous laisse de quoi nous émerveiller. L'illusion d'une longue prise ininterrompue est hypnotisante et impressionnante. Le film regorge d'acteurs merveilleux, de Michael Keaton à Emma Stone, en passant par Edward Norton et Naomi Watts. L'écriture est une satire parfaite de la célébrité et du show business. Plus important encore, le film se termine sur une note cryptique et bizarre qui laisse les téléspectateurs réfléchir pendant des jours.
Après sa tentative de suicide ratée sur scène, Riggan Thomson (Keaton) est laissé défiguré à l'hôpital. Il a reçu les meilleures critiques de sa vie et sa fille n'a plus honte de lui. Sur cette note élevée, il se dirige vers la salle de bain et, voyant des oiseaux par la fenêtre, en sort et saute du rebord. Sam (Emma Stone) revient, se précipite vers la fenêtre, puis regarde en l'air et sourit. C'est une fin parfaitement bizarre pour un film parfaitement bizarre. Qu'a-t-elle vu en levant les yeux vers le ciel ? C'est à vous de décider.
3. Psycho américain
L'une des fins les plus ambiguës de l'histoire de la fiction, Psycho américain choque et titille les cinéphiles depuis des années. Basé sur le roman satirique de Bret Easton Ellis, le film, réalisé par Mary Harron, divise et laisse perplexe.
Tout le dernier acte du film est une véritable descente aux enfers. Patrick Bateman (une incroyable première performance de Christian Bale) devient de plus en plus violent et fou, jusqu'à ce qu'il s'éloigne du rebord et que les choses explosent dans un chaos total. Il tente de nourrir un chaton à un guichet automatique, il avoue tous ses crimes à son avocat par téléphone et il assassine environ la moitié de Manhattan. Et le matin, rien n'a changé. Il n'y a pas de corps. Ses amis ne croiront pas ses aveux. Il doit continuer à vivre sa vie, impuni.
Cette fin bizarre défie la réalité, mais elle ramène à la maison les thèmes en jeu dans le film. Bateman, comme le public, se voit refuser la catharsis d'une punition. Il continue à vivre dans un état de fugue, pas tout à fait vivant et pas tout à fait mort. Ce purgatoire est l'état dans lequel nous le laissons. Comme le dit le panneau derrière lui, ' Ce n'est pas une sortie. '
2. Fleurs brisées
Le mystère qui propulse l'intrigue lâche de Fleurs brisées n'est jamais vraiment résolu tout au long du film. Bill Murray joue Don Johnston, un ancien type de Don Juan qui vit maintenant sa retraite en paix. Il est interrompu dans son bonheur par une lettre affirmant qu'il a un fils de dix-neuf ans quelque part. Cela conduit Don dans un voyage pour rencontrer plusieurs femmes de son passé et tenter de démêler ses vies passées désordonnées.
À la fin du film, Don n'est pas plus près des réponses qu'il ne l'était au début. Il commence à croire que toute l'affaire du fils aurait pu être un canular. Alors qu'il se tient au bord de la route, une voiture passe. La reconnaissance apparaît sur le visage de Don. La voiture est conduite par un jeune homme (joué par le vrai fils de Bill Murray, Homer Murray) et il écoute la même chanson que Don. Le film ne précise jamais explicitement s'il s'agissait ou non du fils de Don. Au lieu de cela, il fait quelque chose de beaucoup plus intéressant. Il nous demande à quel point nos souvenirs sont colorés et affectés par notre présent. Pouvons-nous faire confiance à notre passé ? Le film, réalisé par Jim Jarmusch, est lourd et profondément émouvant, en grande partie à cause de sa fin vague.
1. La chose
Notre fin ambiguë préférée de tous les temps survient à la fin de l'un des plus grands films d'horreur de tous les temps : John Carpenter La chose . C'est obsédant, étrange et en quelque sorte entièrement satisfaisant sans être complaisant. Cela nous laisse rejouer tout ce que nous venons de voir dans nos têtes et essayer de parvenir à une conclusion. C'est brilliant.
Un extraterrestre métamorphosé a anéanti presque tous les hommes d'une station de recherche isolée en Antarctique. Il ne reste que deux hommes : Mac (Kurt Russell) et Childs (Keith David). Avec des lance-flammes dressés les uns sur les autres et leur camp détruit autour d'eux, ils s'assoient dans la neige. L'un ou l'autre pourrait être l'extraterrestre déguisé. Il n'y a aucun moyen de savoir. Bien sûr, si l'un d'eux était l'extraterrestre, il ne peut pas se révéler, sinon il serait tué. Qu'est-ce qu'on fait? demande Childs. Pourquoi ne pas simplement… attendre ici un peu de temps… voir ce qui se passe ? est la réponse de Mac. Avec cette dernière ligne effrayante, le film devient noir.
L'extraterrestre a-t-il survécu ? Va-t-il s'endormir dans la glace, pour faire des ravages sur le monde lorsqu'il sera à nouveau libéré ? Carpenter a brillamment réalisé que ne pas savoir est tellement plus effrayant que savoir.
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