Pour la science-fiction en tant que genre, 2020 a été témoin de sorties peu espacées allant du banal à l'eldritch. Voici les meilleurs films de science-fiction, classés.
Quels films de science-fiction émergent parmi les meilleurs de l'année 2020? Le cinéma, ainsi que les expériences de visionnage de films, ont connu un changement massif en 2020, une année qui semblait tout droit sortie d'une dystopie de la science-fiction, remplie d'une pandémie mondiale déclenchée par un virus insaisissable et en constante évolution.
En raison de la nature viscérale des horreurs incarnées par les événements qui se sont déroulés cette année, les films de science-fiction de 2020 en sont venus à accorder une forme d'évasion cathartique à ceux qui en ont le plus besoin. Avec certains des blockbusters de science-fiction les plus attendus tels que Dune et La matrice 4 étant décalé en avant dans le calendrier, un vide étrange a été créé dans le genre, permettant à certains films sous le radar de briller.
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Les mérites de la science-fiction en tant que genre artistique sont infinis, le plus important étant sa capacité à faire naître des mondes alternatifs tout en soulevant des dilemmes philosophiques fondamentaux sur la nature de la réalité et la psyché humaine. L'auteur de science-fiction Arthur C. Clarke a un jour décrit le genre comme le seul véritable médicament qui élargit la conscience , une déclaration non loin de la vérité, incarnée par des œuvres comme 2001: Une odyssée de l'espace et Blade Runner . Alors que la vie imite l'art, les rôles sont souvent inversés, comme en témoignent d'innombrables films qui tentent de capturer et d'évoquer des émotions qui restent souvent inexprimées dans des scénarios du monde réel.
12. Vivarium
L'angoisse existentielle et la cruelle indifférence de l'univers en font souvent une prémisse de science-fiction prometteuse, comme dans le cas du deuxième long métrage de Lorcan Finnegan, Vivarium . Avec Jesse Eisenberg et Imogen Poots, Vivarium plonge profondément dans les cavernes de l'horreur, un principe ancré dans la nature, s'ouvrant par un gros plan d'un bébé oiseau non formé se tordant dans son nid. Le couple Tom (Eisenberg) et Gemma (Poots) arrive dans un lotissement nommé Yonder à la recherche de leur maison pour toujours.
Au milieu d'événements narratifs absurdes et des tics comportementaux bizarres de l'agent immobilier Martin, le duo entre dans la maison n ° 9, une maison en forme de boîte peinte d'une teinte nauséabonde de vert menthe - une structure à laquelle ils ne peuvent pas échapper. Vivarium évoque la tension atmosphérique de La zone de crépuscule tout en perturbant le romantisme des habitations de banlieue clôturées par des piquets blancs. Bien que le film ne repose pas sur la subtilité dans son style narratif et son exécution, Vivarium est une délicieuse entrée sur les angoisses domestiques incessantes.
11. Bill et Ted affrontent la musique
Bien que ce trio du blockbuster de la comédie de science-fiction L'excellente aventure de Bill et Ted ne fait pas s'interroger sur la conscience quantique, Bill et Ted affrontent la musique est un voyage sincère dans les ruelles réconfortantes de la nostalgie. Réalisé par Dean Parisot, Bill et Ted affrontent la musique suit Alex Winter et Keanu Reeves dans le rôle de Bill et Ted, respectivement, dans lequel le duo doit tracer une piste stellaire afin de rassembler le monde et d'empêcher la destruction de l'espace et du temps.
Toujours convaincus de leur capacité à réussir cet exploit, Bill et Ted décident de voyager dans le temps dans le futur pour arracher la composition à eux-mêmes. Cela s’ensuit dans une promenade amusante dans le passé et le futur, mettant en vedette des personnages tels que Jimi Hendrix (DazMann Still) et The Grim Reaper de Ingmar Bergman. Le septième sceau , ce dernier étant un doux rappel à Le faux voyage de Bill et Ted . Armé de personnages sympathiques, d'une prémisse de lumière cérébrale et d'un humour absurde, Bill et Ted affrontent la musique émerge comme une version véritablement joyeuse du genre thématiquement lourd.
10. Principe
Après avoir été retardé trois fois en raison de la pandémie de COVID-19, Principe n'a pas réussi à atteindre le seuil de rentabilité, malgré un gain de 361 millions de dollars dans le monde, ce qui en fait le quatrième film le plus rentable en 2020. Principe tourne autour d'un agent de la CIA, le protagoniste (John David Washington), qui participe à une opération d'infiltration dans un opéra de Kiev. Bien que le film ait été comparé à celui de Nolan Début en termes de profondeur et de complexité narrative, Principe présente une intrigue alambiquée lourde d'exposition, car elle plonge dans les concepts de pensée non linéaire, de paradoxes temporels et d'entropie rétrograde. Néanmoins, le film est soutenu par de solides performances de Robert Pattinson et Elizabeth Debicki, ainsi que par des visuels à couper le souffle et des séquences d’action exécutées de manière impressionnante qui portent la maîtrise du cinéma de Nolan en tant que support visuel modifiant la réalité.
9. Fièvre de mer
Neasa Hardiman Fièvre de mer apparaît comme étrangement pertinent au milieu de la pandémie, car il met en avant une prémisse en miroir dans laquelle l'équipage d'un chalutier irlandais est bloqué en mer, où un mystérieux parasite infecte leur approvisionnement en eau. Offrant une version dramatisée de la quarantaine induite par le terrorisme dans un cadre de science-fiction, Fièvre de mer s'ouvre avec l'étudiante en biologie marine Siobhán (Hermione Corfield), dont les cheveux roux flamboyants incitent les membres de l'équipage superstitieux à la marquer comme un présage de malchance. Cependant, le couple Gerard (Dougray Scott) et Freya (Connie Nielson) lui permettent de monter à bord, après quoi leur voyage prend un itinéraire plus sombre. La principale raison pour laquelle Fièvre de mer fonctionne bien comme un thriller pandémique est la façon dont il soulève des questions nominales sur l'imprévisibilité dans de tels scénarios, bien que sa structure centrale se présente comme un dérivé de films tels que Contagion .
8. La plateforme
Peu de films sont capables d'incarner un sentiment vertigineux de terreur absurde que l'on peut qualifier de Kafkaïen , mais le premier long métrage du réalisateur espagnol Galder Gaztelu-Urrutia, La plateforme , parvient à y parvenir avec facilité. Un récit édifiant et une allégorie politique opportune dévoilant les répercussions désastreuses de résider dans un monde submergé par une auto-absorption et une cupidité cruelles, La plateforme est un réveil particulièrement brutal, mais indispensable.
Le film s'ouvre dans une cuisine bien éclairée, mais descend bientôt dans les fosses de la folie, jusqu'à ce qu'il zoome sur le niveau 48, où Gerong (Ivan Massague) reste emprisonné. Son compagnon de cellule Trimagasi (Zorion Eguileor) a choisi cet enfer plutôt qu'un établissement psychiatrique après un meurtre accidentel, apporte une dynamique unique au récit, agissant souvent comme un commentaire conscient quand il dit: La faim déchaîne le fou en nous ... il vaut mieux manger que d'être mangé. - une sombre reconnaissance des horreurs du monde dans lequel nous vivons.
7. Amour et monstres
La vie dans un bunker souterrain ne serait pas vraiment attrayante pour la plupart des gens, surtout si la surface de la Terre était recouverte de reptiles mutants géants, mais ce n’est pas le cas de Joe ( Dyan O'Brien ), qui reste étonnamment optimiste malgré des circonstances aussi difficiles. Michael Matthews » Amour et monstres se penche davantage vers le côté amusant et fantastique de la science-fiction, offrant au public une évasion à travers une vision du monde simpliste mais satisfaisante face à la quasi-extinction. Dans Amour et monstres , Joel doit assumer le voyage du héros, car il s'agit essentiellement d'une histoire de passage à l'âge adulte d'un individu qui se fige face au danger, un non-héros conventionnel, pour ainsi dire, et le résultat est un assortiment de rappels de films classiques qui enrichissent le récit, y compris Je suis une légende et Zombieland .
6. Archiver
Le premier long métrage de Gavin Rothery, Archiver , excelle dans la reconversion de récits de longue date qui tournent autour de l'IA, à l'aide d'une ambiance efficacement stérile et d'un moteur central convaincant. Un scientifique isolé (Theo James) poursuit un idéal d'IA, le conduisant à développer une séquence d'êtres androïdes jusqu'à la réalisation d'un prototype prometteur. Alors que l'intrigue centrale du film semble dérivée de Miroir noir et Ex Machina , Archiver est capable d'incorporer ses influences divergentes dans un tout cohérent et complet. Il y a un écho des thèmes frankensteiniens du créateur et de la création, avec une intense fragmentation psychologique dans l'esprit du créateur. Il est intéressant de voir Archiver incursion dans les nuances souvent négligées du comportement Android, ce qui a finalement le potentiel de propulser l'IA vers la réalisation de la singularité, une idée à la fois passionnante et terrifiante.
5. Synchronique
Les horreurs de science-fiction alimentées par la drogue font souvent un tour hallucinant, surtout si les subtilités du voyage dans le temps sont jetées dans le mélange. Justin Benson et Aaron Moorhead Synchronique coche ces deux cases, car il plonge profondément dans la vie des ambulanciers paramédicaux de la Nouvelle-Orléans Steve (Anthony Mackie) et Dennis (Jamie Dornan), qui font face à une série d'accidents bizarres. Après la disparition de la fille aînée de Dennis, Steve tombe sur un puissant psychédélique qui peut modifier le tissu même de la réalité et du temps.
En gardant à l’esprit la déclaration d’Albert Einstein sur le temps, qu’il décrit comme un illusion obstinément persistante , le mérite de Synchronique réside dans la perturbation temporaire de cette illusion, qui est un exploit louable dans le genre de science-fiction thématiquement saturé. Synchronique est une combustion lente fascinante, semblable à une drogue qui saisit les sens comme un détail négligé, mais le film s'accélère de manière presque frénétique vers la fin. Soutenu par un véritable suspense et une fin bien exécutée, Synchronique fait pour une montre teintée d'adrénaline qui persiste dans l'esprit bien après.
4. L'homme invisible
Basé sur le roman éponyme de H.G. Wells, L'homme invisible est un conte terrifiant, principalement dû au fait qu'il est intrinsèquement enraciné dans les tropes du genre banal et subvertit de manière intéressante. L'homme invisible est une expérience profondément synesthésique, dégoulinante de terreur atmosphérique, renforcée par la partition obsédante de Benjamin Wallfisch, alors qu'elle suit Cecilia (Elisabeth Moss), qui vient de sortir d'une relation abusive avec le riche scientifique Adrian (Oliver Jackson-Cohen). Après qu'Adrian soit déclaré mort, Cecilia se retrouve harcelée par un homme invisible, ce qui la pousse plus loin vers le bord de la raison. Alors que le trope de l'invisible comme source d'horreur est dominant dans le genre, L'homme invisible ajoute de l'authenticité au trope avec son traitement de séquences dépourvues de supercherie cinématographique. Un sentiment de vraie terreur et d'honnêteté brutale imprègne le film, ce qui en fait une montre particulièrement dérangeante.
3. Possesseur
David Cronenberg est un maître de l'horreur, ayant ajouté une profondeur cauchemardesque au genre grâce à Scanners et Sonneries mortes . Le dernier effort de son fils Brandon Cronenberg, Possesseur , le positionne comme un contributeur digne de l'héritage cronenbergien, alors que le film plonge magistralement dans les thèmes de l'identité insaisissable, les pièges de la technologie moderne et la folie totale qui réside souvent dans la psyché humaine. Possesseur tourne autour de Tasya Vos (Andrea Riseborough), la propriétaire titulaire qui trouve son identité de base plus entachée de chaque mission de contrôle mental forcé. Lorsqu'il est chargé de posséder Colin Tate (Christopher Abbott), les choses prennent une tournure encore plus sanglante, alors que l'hôte combat l'invasion forcée, conduisant à des identités et à une conscience conflictuelles », ce qui place Possesseur comme un portail vers une expérience déconcertante.
2. Le vaste de la nuit
La captivante entrée indépendante d’Andrew Patterson, Le vaste de la nuit , résume la paranoïa claustrophobe qui imprègne l'époque actuelle, dont les événements se déroulent au cours d'une seule nuit dans la ville fictive de Cayuga, au Nouveau-Mexique. Fay Crocker (Sierra McCormick) et Everett Sloan (Jake Horowitz), respectivement standardiste de la ville et DJ de la station locale, entendent un son rythmique statique qui renvoie à une mission gouvernementale secrète. Ensuite, Le vaste de la nuit franchit le seuil de l'étrange surnaturel, tout en créant des moments solides et évocateurs qui reposent sur des signaux sonores intelligemment placés. Le vaste de la nuit est une odyssée vertigineuse sur la peur de la peur elle-même - cette réponse irrationnelle, mais intuitivement primordiale aux situations de combat ou de fuite - et se termine d'une manière extrêmement gratifiante et satisfaisante.
1. Couleur hors de l'espace
La véritable accalmie des films de science-fiction, en particulier de l'horreur lovecraftienne, réside dans le fait qu'elle provoque souvent des images de l'indescriptible, faisant des adaptations de la même tâche une tâche ardue. Quand on tombe sur un monde qui précède le temps et éclipse les limites de la compréhension humaine elle-même, il ne leur reste qu'une peur si inexplicable, qu'il faut la ressentir pour y croire. Couleur hors de l'espace parvient à capturer ce sentiment dans des teintes d'un autre monde et se déroule dans une ferme pittoresque appartenant aux Gardner, qui se déplacent ici pour échapper à la corvée de la ville.
Nathan (Nicholas Cage) se lance dans l'agriculture avec beaucoup d'enthousiasme, tandis que sa femme Theresa (Joely Richardson) se remet d'une récente bataille contre le cancer et que ses enfants Benny, Jack et Lavinia ont du mal à s'adapter. Des événements troublants mais banals se produisent, y compris l'émergence soudaine de fleurs étranges, de produits amers et d'un approvisionnement en eau contaminé, qui cèdent la place à une seconde moitié fantasmagorique avec de la sorcellerie, des sons désincarnés et une pure horreur cosmique non filtrée. Couleur hors de l'espace est une lettre d'amour à la folie lovecraftienne, imprégnée de cauchemars eldritch qui ne manqueront pas de laisser un enchanté.